salomon foundation residency award

Anita Molinero travaille des matériaux pauvres qu’elle malmène, brûle, transperce et découpe : entre ses mains le polystyrène extrudé, le plastique moulé ou thermoformé, […] subissent toutes sortes d’avanies.[…] Son grand modèle reste Rodin. On pense aussi au sculpteur César et à ses expansions en polyuréthane, à Arman et à ses meubles brûlés. Mais aussi Jessika Stockholder pour les masses vives et à Louise Bourgeois pour son sens de la dramaturgie.

Elisabeth Couturier

Marco Godinho s’imprègne du monde qui l’entoure et, tel un voyageur aux destinées incertaines, s’ouvre à la vie qui advient et construit son parcours artistique au fur et à mesure, laissant derrière lui quelques perles inoubliables (j’y reviendrai). Le voyage et le temps – ou plutôt la durée – sont au cœur de sa démarche. À chaque fois, il adopte les matériaux (allant du dessin à la vidéo en passant par l’installation ou les objets trouvés et retravaillés) et les formes qui lui paraissent les plus adéquats pour transformer sa pensée visuelle en objet artistique.

Enrico Lunghi

Thomas Tronel-Gauthier convoque, par le biais d’une pratique artistique très maîtrisée, toute en finesse, le rapport, fondamental quoiqu’enfoui la plupart du temps tout au fond de notre mémoire collective, que nous entretenons avec le monde physique qui nous abrite. Formé aux disciplines plastiques comme aux arts and crafts, il capture avec une expertise d’entomologiste la temporalité des multiples et infimes incidences des phénomènes naturels qui nous entourent pour en fixer les métamorphoses éphémères sous des formes et des matières aussi diverses que plastiquement accomplies : sculptures, gravures, peintures, films. Pour ces prélèvements de l’instantané, Thomas Tronel-Gauthier pratique des moulages « sur le tas » dont les empreintes vont lui permettre ensuite de les revoir, ou peut-être, plus précisément, de les voir, les découvrir à loisir, et non plus dans l’infinitésimal moment de leur existence, pour les sélectionner et enfin, les « traiter » dans le cadre de son intention artistique.

Ann Hindry

D’abord, il y a le blanc. Une impression de vide ou, plus précisément, d’épure. Mais petit à petit surgissent des ombres, des lignes, des contours, des surfaces lisses ou rugueuses, réfléchissantes ou mates. Des proportions. L’œil appréhende une installation de Mara Fortunatovic comme la main, le poids, la chaleur, la consistance et les contours d’un objet complexe. Il lui faut du temps pour percevoir les nuances engendrées par l’intervention de l’artiste.

L’espace, comme régénéré, s’ouvre à l’aventure visuelle et à la découverte physique en livrant progressivement ses subdivisions et ses multiples facettes. Mara Fortunatovic pose sur le sol ou contre les parois des pièces préparées à l’avance – feuilles de papier ou en carton, volumes géométriques en bois, plaques en verre ou plexiglas, etc. – qui créent une nouvelle articulation du lieu. Parfois, elle travaille directement sur les murs – en les enduisant d’une peinture blanche d’une autre texture que celle du mur original, par exemple.

Enrico Lunghi

Ce serait peu dire – ce serait mal dire – que Lise Duclaux s’intéresse aux plantes. Elle s’intéresse au vivant, à tout ce qui concerne la vie qui grouille et ne connaît pas de limites ; aux terrains de jeux, aux enfants qui vont à l’école, à nous qui vivons tant bien que mal en compagnie des plantes qui poussent entre les pavés. Elle se soucie autant de leur vie propre que de leur devenir lorsqu’elle propose des « boutures à recueillir » et se préoccupe autant de leur croissance que du nom qu’on leur donne familièrement. […]

Laurent Busine

Les très courts films de Rebecca Digne, deux minutes trente, rarement plus, restituent des actions simples auréolées d’un parfum de mystère. Tournages en 8 ou 16 millimètres, scénarii énigmatiques, éclairage envoutant, prises de vue en temps réel, bruitages ciselés et diffusion en boucle, confèrent à ses œuvres une dimension intemporelle propre à la peinture. Ses réalisations qui, le plus souvent, mettent en scène des hommes et des femmes ordinaires, les montrent réalisant des gestes immémoriaux. Autant de poèmes visuels qui nous invitent, au passage, à méditer sur la condition humaine dans sa plus humble expression.[…]

Elisabeth Couturier

Créé et basé à Bruxelles depuis 2013, VOID est un collectif de plasticiens. Il réunit Arnaud Eeckhout (Belgique, 1987) et Mauro Vitturini (Italie, 1985).

Artistes fascinés par l’invisibilité et l’immatérialité du son, VOID met en forme cette absence au travers d’une pratique résolument pluridisciplinaire dans laquelle dialoguent installations sculpturales, sculptures, vidéos, dessins, textes, performances, livres, interventions dans l’espace public.

[ÉVÉNEMENT]

Remise du Prix et présentation du Lauréat 2018 le mercredi 28 novembre 2018 à partir de 10h à l’IRCAM-Centre Pompidou, en présence des artistes et des membres du jury.
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« Par une méthodique déconstruction des normes du cinéma, Ariane Loze ramène ses vidéo-performances à leur minimum opérant. Alliant l’expression conceptuelle à une réalisation home-made, son esthétique post-minimaliste vise une sorte de degré zéro de la représentation, soutenue par une ligne narrative de base immédiatement lisible et une action unique. Les vidéos sont produites en complète autonomie, Ariane Loze étant non seulement réalisatrice, scénariste, monteuse, costumière, régisseuse son et lumière, mais encore, sauf exception, interprète de tous les personnages. Saynètes absurdes de la vie sociale ou allégories de la vie psychique, elles décrivent un monde dystopique dans lequel des protagonistes, en situation de crise, s’interrogent, cherchent une issue ou se confient. Portant un regard incrédule sur le monde contemporain, Ariane Loze pose ainsi un diagnostic sur la vanité globale qui s’y exprime, en suscitant chez le public un regard distancié, aussi amusé que critique. »

Florian Gaité

Kubra Khademi explore dans sa pratique sa vie en tant que femme réfugiée. Elle a étudié aux Beaux-Arts de Kaboul avant de fréquenter l’Université de Beaconhouse au Lahore. Là-bas, elle commence à créer des performances dans l’espace publique, une pratique qu’elle poursuit à son retour à Kaboul, en réponse à une société patriarcale extrême. Après avoir réalisé la performance Armor en 2015, Kubra Khademi est contrainte de fuir son pays. Elle se réfugie à Paris et expose aujourd’hui son œuvre à échelle international.

En 2016, Kubra reçoit le titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres par le Ministère de la Culture française.
Depuis 2017, Kubra est membre de l’Atelier des Artistes en Exil à Paris et fut résidente de de la Cité Internationale des Arts de 2017 à 2019. En 2019, Kubra Khademi est sélectionnée pour le Bourse Révélations Emerige et a obtenu un an de résidence à la Fondation Fiminco.

Kokou Ferdinand Makouvia vit et travaille entre Paris, Amsterdam et Lomé.

Il a passé son enfance et son adolescence à Lomé (Togo) où il a fait ses études en réseaux informatiques et télécoms. Persuadé de sa passion pour l’art, il poursuit ses études aux beaux-arts, inexistants dans son pays d’origine. Après Abidjan et Valenciennes, il est diplômé des Beaux-Arts de Paris. Il est actuellement en résidence à De Ateliers à Amsterdam. Il a reçu plusieurs prix, dont la ‘‘Révélation 2017’’ de l’ADAGP. Il a participé à la biennale JCE (Jeune création européenne) 2017-2019 et la biennale de Saint-Paul-De-Vence en 2021. Il a à son actif plusieurs expositions et sélectionné pour la prochaine biennale de Dakar (2022). Il est l’initiateur et l’organisateur de la résidence d’art contemporain ArtMéssiamé qui se tient chaque année à Lomé (Togo).

Rétrospectivement empreint, depuis son arrivée en France (2014), de la culture traditionnelle Mina qui l’a vu grandir de loin, Kokou Ferdinand Makouvia s’enquiert inlassablement de toute la matière subtile qui compose l’existant. Dès lors, il se conditionne à une collaboration étroite avec la matière dans tous ses états : il fait de son énergie une âme sœur dans le dialogue, il se confronte à sa substance incarnée comme une réalité persistante avec laquelle il est vital d’apprendre à composer, il l’utilise enfin comme un médium pour communiquer avec l’invisible. Dans un face à face qui tient autant du ballet guerrier que de la transe animiste, l’artiste se fait tour à tour façonneur dévoué et alchimiste acharné. Tant dans sa pratique de la sculpture que de la performance, il est l’intercesseur d’une dichotomie entre le faire et le laisser-faire.

Après une formation aux Arts Décoratifs de Paris, Beaux-Arts de Paris et à la Rhode Island School of Design (RISD) ,Bianca Argimón a pris part à cinq résidences artistiques, dont celle de la Fondation d’Entreprise Hermès en France & la Casa de Velázquez, à Madrid. Son travail a été exposé pour la première fois lors de la foire d’art ‘Cutlog’ à la Bourse de Paris en 2009, elle a ensuite participé à plusieurs expositions collectives, dont : “Tighthead Prop”, à la galerie Bendana-Pinel, Paris (2012) ; “Le Nouveau Monde Industriel”, Galleria Continua, Les Moulins (2016) ; “Beyond Nature”, galerie Sophie Scheidecker, Paris(2017) ; “Mademoiselle” , CRAC, Sète (2018) ; “Les Mains Sans Sommeil”, Palais de Tokyo, Paris & Le Forum, Tokyo (Japon) (2018) ; “Le vent se lève”, MACVAL, Ile-de-France (2020/21), « Ce à quoi nous tenons », collection Lambert, Avignon (2022). Elle a également présenté plusieurs expositions personnelles dont : “Pour les essais sur les effets de la foudre” -galerie L’inlassable, Paris (2015) ; “Going South”, Iconoscope & Drawing Room à la Panacée, Montpellier (2018) ; “Par Anomie”, galerie Mansart, Paris; “Error 404”, centre culturel Jean Cocteau, Les Lilas (2020), et « Catharsis », Le Portique, Le Havre (2022). En 2015 elle sort diplômée avec les félicitations du jury des Beaux-Arts de Paris et l’année suivante elle sera lauréate du prix du dessin contemporain des Beaux-Arts de Paris, ainsi que du prix Alphonse Cellier de l’Académie des Beaux-Arts. Elle a pris part à la 61e édition du salon de Montrouge et en 2018 recevra le prixLafayette Anticipation durant Drawing room à la Panacée, à Montpellier.

Peintre de miniatures et d’icônes, Jean Claracq s’attache aux images jusqu’aux moindres détails. Ses modèles lui viennent des réseaux sociaux mais ses tableaux résonnent de mille autres références savantes. Il s’amuse des niveaux de lectures possibles et dépeint dans des compositions urbaines notre relation aux écrans et à la solitude avec une précision de chirurgien. Les sujets de ses peintures sont solitaires, silencieux et immobiles, assis devant l’écran d’ordinateur. Volontairement ou involontairement, Claracq contribue au dialogue entre peinture et art digital, l’un des phénomènes phare de ces dernières années dans l’art contemporain.

La peinture de Jean Claracq pourrait être qualifiée de peinture d’après écran comme d’autres peignaient autrefois d’après nature. Dans ses toiles lisses – qui rappellent autant le brillant d’un papier photo que la luminosité homogène de la surface de l’écran – la culture de l’image y est omniprésente. Les citations se multiplient à travers des références à l’histoire de l’art comme au registre vernaculaire. La peinture affiche ouvertement sa relation à la photographie, plus encore elle recourt à l’un de ses canaux de diffusion les plus répandus : Instagram. L’immensité du monde est désormais refiltrée par l’écran au cœur du dispositif.